En rejse gennem musikkens store navne
Der var engang, tilbage i XIX århundrede, hvor Europa var vidne til, hvordan nye stater blev skabt, hvordan Italien og Tyskland blev genforenet under ét flag og hvordan gamle og nye identiteter genopstod, der hævdede deres plads i verden.
Det tidens musikere, skrævende romantik og nationalisme, udforsket mere beskrivende og poetiske udtryksformer, såsom suiten eller det symfoniske digt, mens man kommer sig populære melodier og traditioner at fortælle historier om deres land.
Men ikke kun fra hans land. Nogle komponister havde også mulighed for at rejse og lære andre lande at kende, som de senere hyldede gennem deres musik.
Mikhail Glinka betragtes som faderen til russisk musikalsk nationalisme. takket være værker som hans patriotiske opera et liv for zaren men de færreste ved det rejste gennem Spanien og var fascineret af vores lyde og traditioner. Den spanske ouverture nr. 1 Strålende indfald på den Aragonese donkraft og den spanske ouverture nr. 2 Sommernat i Madrid er et godt bevis på det.
Glinka fungerede som inspiration for den berømte gruppe af De fem, som bestod af fem unge nationalistiske komponister: Mili Balakirev, Cesar Cui, Modest Mussorgsky, Nikolai Rimsky-Korsakov og Aleksandr Borodin.
Alle var de autodidakt, de mødtes i Sankt Petersborg og delte målet om komponere en type musik, der opstod fra folkelige rødder og bevægede sig væk fra den akademiske uddannelse af europæiske konservatorier. Nogle af hans mest kendte værker er den symfoniske suite Scheherazade af Rimsky-Korsakov eller En nat i det nøgne bjerg af Mussorgsky, som blev sat billeder i Disney-filmen Fancy (1941).
Selvom til Tjajkovskij han betragtes som mere romantisk end nationalist, det er ubestrideligt, at han er en af tidens mest kendte komponister med balletter som f.eks. Svanesøen, Nøddeknækkeren eller Tornerose, også illustreret af Disney i 1959.
Imidlertid ville det arbejde, som vi kunne betragte som det mest nationalistiske af alle, være 1812 Ouverture, havde premiere i 1882 for mindes årsdagen for den russiske sejr over Napoleons hær. Værket er komponeret til et orkester af mere eller mindre traditionelle instrumenter og en kanon. Ja herrer. En kløft. Eller flere. Desværre, af praktiske årsager, mange gange dens spektakulære lyd er erstattet med skudlyde. Men her efterlader vi dig en optagelse med kanoner, hvor du kan nyde et klimaks med den autentiske lugt af krudt.
Og apropos apoteose. Den store finale af filmen V for Vendetta har denne ouverture som sit soundtrack. Et symbol på frihed fra undertrykkelse.
skotsk efterkommer, Edvard Grieg bidrog med sine kompositioner til skabe en norsk national identitet ved i sine værker at tilpasse mange populære danse og sange fra sit lands folklore.
Et af hans mest kendte værker, Peer Gynt, består af to suiter med hver fire satser, som han komponerede på bestilling til illustrere forfatteren Henrik Ibsens arbejde. Dette fantastiske drama fortæller historien om Peer, en eventyrer, der forfører og derefter forlader den smukke Solveig, for derefter at flygte til Afrika for at søge lykken.
Hans eventyr er meget varierede og har givet anledning til kendte melodier, som f.eks I bjergkongens hule , da Peer flygter fra trolde, der vogter en hule. Først er musikken snigende, fordi den prøver at løbe stille væk, men så tingene bliver komplicerede, og melodiens crescendoer og accelerandoer indikerer, at Peer er nødt til at tage af sted på flugt med trolde varme i hælene.
Så meget spænding genererer denne score, at Fritz Lang brugte den til at illustrere filmen lydmæssigt M, vampyren fra Düsseldorf , finsk metalband apokalyptisk han dækkede det i hård rock-tilstand og endda The Who lavede deres egen tilpasning.
En anden af de bedst kendte bevægelser er Morgenen , der blander fløjten og oboen som hovedpersoner at beskrive hvordan lyset oversvømmer landskabet og efterhånden bliver til dag.
Men modsat hvad mange måske tror, sker Morgenstemningen ikke i en fjord men derimod fortæller om en solopgang i Sahara i et andet af Peers eventyr, før du kommer hjem igen. Da han endelig vender tilbage, tilgiver gode gamle Solveig ham og synger ham en sang, hvor hun fortæller ham, at al denne tid har han ventet på ham. Og så har historien en lykkelig slutning.
Jean Sibelius har været den mest berømte komponist, som Finland har givet til dato og en af de vigtigste fortalere for nationalisme i sit land, siden med hans symfonier, suiter og symfoniske digte bidrog til styrke den nationale identitet mod det russiske imperiums styre. Hans to mest kendte og mest patriotiske værker er det symfoniske digt Finland og Karelsk Suite.
I Finland er turbulente, ru og tunge lyde som symboliserer den undertrykkelse, som det finske folk var udsat for, og som udvikler sig til et klimaks af befrielse og håb i de sidste minutter. Det er ved adskillige lejligheder blevet foreslået at være nationalsangen og dermed erstatte Maamme, hvilket betyder Vort Land og den er komponeret af en tysker med tekster på svensk.
Karelia Suiten refererer til regionen mellem Finland og Rusland, hvor de boede karelerne, en baltisk etnisk gruppe, der beboede fra Hvidehavet til Finske Bugt og som i øjeblikket er en del af Den Russiske Føderation. Brugen af mange messingblæsere Det giver en episk, tempofyldt og festlig karakter, især i begyndelsen, som blødgøres, efterhånden som den skrider frem til at blive mere beskrivende.
Selvom Tjekkiet endnu ikke eksisterede på det tidspunkt, ikke engang det nu hedengangne Tjekkoslovakiet, kunne man tale om musikalsk nationalisme i det 19. århundredes Bøhmen, som dengang tilhørte Østrig-Ungarnske Rige.
Bedrich Smetana var en af den tjekkiske musiks fædre og er kendt for sin opera den solgte brud , men frem for alt for symfoniske digtes cyklus mere vlast (mit hjemland), der beskriver landskaber og legender fra den boheme-tradition.
Hver af dem fortæller en anden historie. A) Ja, Vyšehrad (Det høje slot) beskriver residensen, hvor de tidligere tjekkiske konger opholdt sig; Moldau (Moldava) fortæller om flodens forløb fra dens udspring til dens udmunding i Elben, der passerer gennem skove, græsgange, slotte og endda et bondebryllup. Det tredje digt tager navnet på amazonkrigeren Šárka , heltinde fra The War of the Maidens, der greb til våben efter prinsesse Libuses død, en af grundlæggerne af Prag i det 8. århundrede. Rummet har titlen Z českých luhů a hájů , som betyder Fra Bøhmens skove og enge; og den femte Tabor , med henvisning til den sydlige bøhmiske by grundlagt af tilhængerne af den protestantiske reformator Jan Hus. Det sidste digt er Blanik, et bjerg, hvor der ifølge legenden sover en hær af riddere med Saint Wenceslas i spidsen, som vil redde landet, når dets sværeste øjeblik kommer.
Antonín Dvorak er en anden af den tjekkiske musiks fædre, med værker af så nationalistisk inderlighed som den patriotiske hymne Arvingerne af det hvide bjerg eller din samling slaviske danse , som omfatter populære former som furianter, dumkaer, polkaer, mazurkaer eller polonaiser.
International anerkendelse kom dog til Dvořák efter hans ophold som direktør ved New York Conservatory, da han komponerede hans symfoni nr. 9, bedre kendt som New World Symphony , som var påvirket af afroamerikanske spirituelle sange og de indfødte nordamerikanske indianeres rytmer. Spild af multikulturel energi, der blev godt modtaget af offentligheden og endte med at blive en af Dvořáks største triumfer som komponist.
Frédéric Chopin var en autodidakt pianist og den mest berømte polske komponist gennem tiderne. Hans musik, hovedsagelig komponeret for klaver, er karakteriseret ved en udsøgt følsomhed, intim og subtil, og en æstetisk rekreation, lige så præcis som den er lidenskabelig, der flygter fra alt grimt, vulgært, uhøfligt og pedantisk, der måtte eksistere i verden.
Chopin kendte førstehånds m polsk traditionel musik, siden jeg var teenager dansede, transskriberede og spillede endda folkeinstrumenter ved bondefester. A) Ja, deres polonaiser de samlede den episke ånd og de levende rytmer i deres land i eksempler så mytiske som Polonaisen i As (Op. 53) det heroiske , i fis-mol (Op. 44) og den Fantastisk genial polonaise for klaver og orkester op. 22, indledt af en Andante spianato.
Det samme skete med hans 58 mazurkaer, baseret på polsk folkedans, og resten af hans arbejde, hvor de er tydeligt værdsat de rytmer, former, harmonier og melodier, der er typiske for polsk folklore.
"Når jeg lytter til Wagner i lang tid, får jeg lyst til at invadere Polen." Med denne ironi beskrev Woody Allen i filmen Murder Mystery in Manhattan den tyske patriotiske inderlighed, som komponisten rejste Richard Wagner.
Og måske er det sandt. Få kompositioner (hvis nogen) er mere tilskyndende til at komme op på en hest og deltage i en stor episk kamp end valkyriernes tur , som hører til den anden opera i hans tetralogi The Ring of the Nibelung.
Wagner blev inspireret af myterne og legenderne fra tysk, nordisk og skandinavisk mytologi til at komponere den og fortælle i den. kampene mellem guder, helte og andre skabninger for at få en magisk ring til at dominere hele verden med.
I filmen Apokalypse nu af Francis Fors Coppola angriber amerikanske helikoptere en landsby under Vietnamkrigen til Valkyriernes rytme.
Det er sjovt det nogle af de største eksponenter for ungarsk musik var af andre nationaliteter, men der er noget i sigøjnerviolinernes sønderrevne melankoli og deres glissandos, der fanger dig uden at kunne undgå det.
Johannes Brahms var tysker, men deres ungarske danse de er blevet en af de lyde, der bedst har beskrevet det magyariske landskab og fanget Pusztas øde og ugæstfri ånd. Hans 21 danse var oprindeligt komponeret for klaver fire hænder, men nogle af dem blev tilpasset til orkester med resultater så spændende som ungarsk dans nr. 5
Zardas eller czardas er en typisk dans af romanimusik, der blev populær i Ungarn, men også i andre nabolande som Slovakiet, Slovenien, Kroatien eller Ukraine. Italienske Vittorio Monti han komponerede nogle zardaer for violin og klaver, der senere blev orkestreret, og som er blevet til alt en virtuositetsudfordring for modige violinister.
Hvad angår lokale komponister, den ungarske nationalismes fædre var uden tvivl Franz Liszt, Béla Bartók og Zoltán Kodály. Liszt komponerede vidundere som Ungarsk rapsodi nr. 2 at vise dygtige pianister på grund af dets betydelige tekniske vanskelighed, men han skrev også 18 flere rapsodier (Magyar rapszódiák), alle inspireret af verbunkos, en populær dans, der tilskrives sigøjnerne.
Bartók og Kodály var store folkemusikforskere og i begyndelsen af det 20. århundrede turnerede de landdistrikter i Ungarn og Rumænien at samle traditionelle melodier. Nogle af hans mest fremragende patriotiske værker var den ungarske folkeopera Háry János de Kodály, som fortæller om en veteran fra en østrigsk hærhusars eventyr og den Rumænske folkedanser af Bartók.
I mange huse er det allerede en tradition at starte året med nytårskoncerten som fejres i den gyldne sal i Wien Musikverein.
Selvom de ikke betragter sig selv som nationalister, fordi det østrigske imperiums identitet på det tidspunkt var mere end anerkendt, kunne dette lands sjæl ikke forstås uden valserne komponeret af familien Strauss. Især den fra Blå Donau , som fortæller flodens strømning gennem dens landområder og som er blevet den anden østrigske nationalsang.
De første operaer Giuseppe Verdi fungeret som inspiration til den italienske Risorgimento, som havde til formål at samle landet og opnå uafhængighed fra det østrigske imperium. Omkvædet ok tror jeg af Nabucco betragtes som komponistens mesterværk og fortæller om det jødiske folks eksil i Babylon i klar henvisning til situationen i Italien på det tidspunkt.
Folket forstod perfekt metaforen "Åh, mit fædreland, så smukt og fortabt!" og forvandlede det øjeblikkeligt til en hymne for italienske patrioter. Faktisk dagen for premieren i Scala i Milano, publikum, der reagerede på den nationalistiske inderlighed, krævede straks et ekstranummer.
Verdis senere operaer havde også en markant hævngerrig og patriotisk karakter, selvom nogle historikere tvivler på, om det virkelig skyldtes komponistens egen politiske tilbøjelighed, eller fordi det italienske folk havde brug for en helt, som de kunne identificere sig med.
I Spanien kunne vi ikke være mindre, og vores maksimale repræsentanter for musikalsk nationalisme var catalanerne Isaac Albéniz og Enrique Granados, andaluserne Joaquín Turina og Manuel de Falla og Madrid Joaquín Rodrigo.
Albéniz' mest kendte værk er uden tvivl Iberia-suiten, et af de bedste stykker af klaverkomposition gennem tiderne som er opbygget i fire notesbøger, med hver tre stykker, som hylder forskellige steder i den spanske geografi. Havnen (i Santa María), Corpus Christi i Sevilla, Almería, Triana eller Lavapiés er nogle af titlerne.
Den spanske suite nr. 47 den rejser også gennem Spanien gennem Granada, Catalonien, Asturien, Aragon eller Castilla.
Granatæbler Han var en stor beundrer af den aragonske maler Francisco de Goya og blev inspireret af hans arbejde til at komponere Goyescas. de dejlige elskere , som regnes for hans vigtigste værk. Den første notesbog i denne klaversuite havde premiere på Palau de la Música i Barcelona og den anden i Pleyel Hall i Paris. Titlerne på værkerne kunne ikke være mere traditionelle: Komplimenterne , Kollokvium ved porten enten Lampens fandango.
Af Turin fremhæve deres fantastiske danse , dannet af Ophøjelse (aragonesisk stik), Drøm (baskisk zortziko) og Orgie (Andalusisk Farruca), samt det symfoniske digt Processionen af Rocío.
Af Manuel de Falla vi skal huske balletterne af Kærlighedstroldmanden Y Den tre-hjørnede hat , det Syv spanske folkesange og Betic Fantasy.
Endelig kunne vi ikke afslutte denne anmeldelse af nationale kompositioner uden det mytiske Aranjuez koncert af Maestro Rodrigo, skrevet i Paris i 1939 for at afspejle skønheden i haverne i det kongelige palads i Aranjuez.