Was wir über Rassenkonflikte lernen, von den holländischen Meistern bis hin zu Basquiats Selbstporträts
„Ich bin kein schwarzer Künstler, ich bin ein Künstler“, sagte Jean-Michel Basquiat , vielleicht gerade der bekannteste schwarze Künstler heute. Da Basquiat dem Theoretisieren nicht viel zugetan war, war er sich über den Umfang und die wirklichen Absichten seiner Aussage nie ganz im Klaren. Es gab jedoch diejenigen, die es wieder aneigneten, um das hinzuzufügen „Kunst ist Kunst“ , und darauf kommt es an, egal wer es tut.
In der Tat, Kunst ist Kunst und Künstler sind Künstler wie Liebe Liebe ist . Aber dem Weg der Tautologie folgend, ist Schwarz auch Schwarz, und deshalb wird ein schwarzer Künstler während der Ausübung seiner künstlerischen Praxis nicht aufhören, schwarz zu sein. Und wenn wir uns einig sind, dass Kunst in ihren verschiedenen Erscheinungsformen eine der effektivsten Möglichkeiten ist, denen wir Menschen uns hingegeben haben drücken unsere individuelle und kollektive Essenz aus, es wird auch eine schwarze Kunst geben . Das ist nicht dasselbe wie eine Kunst, in der Schwarze auftreten.
Graffiti von Samo (Jean Michel Basquiat) in NYC (1979)
Alle künstlerische Arbeit ist die Folge einer bestimmten Weltanschauung, und deshalb sagen wir das Kunst spiegelt die Gesellschaft des jeweiligen Augenblicks wider . Aber diese Straße hat Fahrspuren in beide Richtungen, und deshalb trägt die Kunst auch dazu bei, wie wir die Welt, uns selbst und unsere Umgebung sehen. Zum Beispiel, "Die jungen Damen von Avignon" (1907) von Picasso es wäre nur ein Jahrzehnt früher undenkbar gewesen (der Beweis ist, dass es damals kaum jemand verstand), aber Von dem Moment an, als es der Öffentlichkeit vorgestellt wurde, war der Samen einer Idee gesät . Dass Kunst nicht unbedingt nach einer Schönheit suchen musste, die als Produkt eines bestimmten Kanons verstanden wurde oder gar es gibt formen der schönheit, die uns unter einem ersten eindruck von häßlichkeit erscheinen . Und das war eine Veränderung, die über die nachfolgende Kunst hinausging.
Dieses Bild war übrigens die Folge vieler Dinge, aber eines davon war das Faszination, die Picasso durch die Entdeckung afrikanischer Kunst auslöste . Es heißt, ein Jahr zuvor Matisse hatte es ihm gezeigt eine kleine kongolesische Holzschnitzerei im Haus von Gertrude Stein , und dass aus diesem Befund die offensichtlichen Missverhältnisse in den Merkmalen ihrer Demoisellen hervorgingen, und vielleicht alles Kubismus . Einer der von Picasso am meisten bewunderten Maler, „der Zollbeamte“ Rousseau , gewidmet war fangen Sie afrikanische Buschthemen ein mit seinen mysteriösen menschlichen Bewohnern, ohne es jemals mit eigenen Augen gesehen zu haben: Tatsächlich Frankreich nie verlassen . Es war dann, ein weißer Künstler, der eine Schwärze malt, die jenseits seines Kopfes nicht existierte.
Denn bis vor nicht allzu langer Zeit war in der Kunst Schwarze Personen könnten als Objekt betrachtet werden mehr oder weniger Bekanntheit zu erreichen, aber nie das Subjekt, also der Künstler . Jahrhundertelang haben sie fast immer die Nebenrolle übernommen ein Diener oder ein Sklave (die einzigen, die die Gesellschaft für sie reserviert hat), obwohl einige der besten niederländischen Maler des 17. Jahrhunderts, darunter Rembrandt oder Gerrit Dou , sie haben sie als Porträts in den Vordergrund gerückt. Zu dieser Zeit war Holland übrigens ein aktiver Akteur im internationalen afrikanischen Sklavenhandel, obwohl die Sklaverei im Land nicht legal war.
Danach und für eine lange Zeit, die Europäische Maler verwendete weiterhin meist schwarze Modelle, um Diener darzustellen (der Diener im Hintergrund des Manets Olympia ) oder marginal ( die Schurken der Londoner Slums nach Hogarth ) oder nach einer ethnografischen oder anthropologischen Behandlung, zum Orientalismus führen die im 19. Jahrhundert in Mode kam.
Es gab jedoch einige Ausnahmen: 1770 Joshua Reynolds malte seinen Diener mit Zügen von fast epischem Adel Franz Barbier , mit dem er offenbar eine enge Beziehung hatte. In der Zusammensetzung von "Das Floß der Quallen", Gericault gemacht ein farbiger Mann wird die Spitze besetzen , wird angenommen, dass dies aufgrund seiner besonderen Sensibilität gegenüber einer sozial misshandelten Gruppe (das war es damals und, wie wir sehen, auch heute noch) der Fall ist. Und viel später, schon Mitte des 20. Jahrhunderts, der Maler Maruja Mallo machte mehrere Köpfe schwarze Frauen, Front und Profil , die sie durch verschiedene symbolische Bezüge mit der natürlichen Umgebung verbinden. Inzwischen der Brasilianer Tarsila do Amaral tat in Werken wie 'A Negra' oder 'Abaporu' ein Manifest zur Rechtfertigung der Geschichte seines Landes.
"Das Floß der Medusa", Géricault
All dies waren nichts als mehr oder weniger gelungene Darstellungen des schwarzen Subjekts aus der Sicht der Weißen. Weil der Begriff des Genies für fast die gesamte Geschichte der westlichen Kunst auf den weißen Mann zugeschnitten war. Also, genauso wie es fast undenkbar war, dass es so etwas geben würde Künstlerinnen (und es gab trotz allem, aber in geringem Anteil und oft unsichtbar), Es war undenkbar, dass Menschen einer anderen Rasse als der Weißen sich selbst an die Kontrolle des künstlerischen Schaffens stellten.
Es fällt normalerweise auf Robert S. Duncanson (1821-1872), ein Nachkomme befreiter Sklaven, als einer der ersten relevanten afroamerikanischen Künstler: Er spezialisierte sich auf Landschaften im Sinne von Hudson-River-Schule . Später würden andere wie kommen Edmonia Lewis oder Henry Ossawa Tanner , der nach Paris zog und im Salon ausstellte, wodurch er die durch die Anerkennung der Akademie gewährte Legitimität erlangte. dein Gemälde "Die Banjo-Lektion" (1893) ist wichtig, weil trotz seines Auftretens einer costumbrista-Szene (ein alter Mann, der seinem Enkel das Spielen eines Musikinstruments beibringt), die nicht-topische Behandlung es deaktivierte die Codes und Werte, unter denen schwarze Menschen früher repräsentiert wurden, bezogen auf Spaß und Faulheit.
"Die Banjo-Lektion", Henry Ossawa Tanner
In den zwanziger Jahren des letzten Jahrhunderts wurde in New York die sog Harlem-Renaissance machte eine Gruppe von Schriftstellern, Musikern und auch bildenden Künstlern bekannt, die sich rechtfertigen würden, wenn es dringend werden würde eine Geschichtsschreibung der schwarzen Kunst zeichnen . Daher mögen uns die Namen der Skulpturen nicht bekannt vorkommen augusta wild oder die Maler Hale Woodruff und Aaron Douglas , dessen Arbeit Neuland betrat. Es ist auch in Europa nicht sehr bekannt. AfricCOBRA , ein Künstlerkollektiv, das 1968 in Chicago gegründet wurde und mit dem verbunden ist Black-Arts-Bewegung und zu Bürgerrechtsbewegung . Aber sie alle sind grundlegend, um diese historische Linie zu verstehen.
augusta wild
Wie wir sehen, war es also ein langer Weg, um dorthin zu gelangen Basquiat , ein afroamerikanischer Künstler, der es geschafft hat, sich in der Elite der internationalen Schöpfung . Sein Fall steht jedoch stellvertretend für gewisse weitverbreitete Vorurteile. Aus einer bürgerlichen Familie mit künstlerischen und kulturellen Interessen stammend, wird er es bald aufgeben, um in der Straßenböhmen wie so viele andere seiner Generation - umgab ihn trotz allem immer eine gewisse Aura des "wilden Künstlers". exquisite Wege, die ausgegeben wurde.
'Sklavenaktion', Basquiat
Er war schon in sehr jungen Jahren erfolgreich und arbeitete vor seinem vorzeitigen Ende vollständig in den Mainstream zeitgenössischer Kunstgalerien und Museen integriert. Und durch seine Selbstportraits behauptete sich als Mensch und Künstler , die ihre Ängste und Bestrebungen widerspiegeln, sondern auch präsentierte sich als Ergebnis bestimmter Wurzeln . Im Bewusstsein, zwischen zwei Welten geteilt zu sein, war die Spannung, die sich aus diesem Riss ergab, immer in seiner Arbeit präsent.
Wie in allen Bereichen unserer Gesellschaft.
Was wir über Rassenkonflikte lernen, von den holländischen Meistern bis hin zu Basquiats Selbstporträts