"Nature morte aux fleurs", par Clara Peeters
Les natures mortes offrent une fenêtre sur la géographie des objets. Le paysage prend sens dans l'harmonie entre le verre et la céramique , jonquilles et pivoines, vin rosé et sucre.
Clara Peters cultivé une mise en scène sobre. On ne sait rien de sa biographie si ce n'est qu'il a travaillé dans Anvers durant la première moitié du XVIIe siècle. le couteau d'argent avec son nom apparaissant sur certaines de ses images indique qu'elle était mariée. C'était autrefois un cadeau de mariage.
Il a utilisé ces couverts comme signature . Sa conscience, non seulement d'artiste, mais de femme artiste, l'a amenée à introduire son portrait dans ses œuvres. Dans cette nature morte du musée du Prado, en plus de l'inscription gravée sur le côté de la table, Clara apparaît dans sept reflets en forme de miroir.
Exemple du couteau en argent avec lequel il a signé ses oeuvres
Les femmes qui ont accédé à la peinture, ou elles étaient les filles d'un artiste pertinent , auquel cas ils avaient accès à un atelier et à une clientèle, ou ils jouissaient d'un poste qui leur permettait de s'adjoindre les services d'un tuteur . Sa pratique faisait l'objet aux limites du domestique . Cette condition excluait des domaines d'apprentissage essentiels, tels que le dessin anatomique à partir de modèles nus.
"Si l'artiste n'est pas expert en figures et en histoires, il peut peindre des animaux, des cuisines, des fruits, des fleurs", a suggéré le peintre et historien Karel van Mander. Francisco Pacheco, professeur de Velázquez , a déclaré qu '«il était plus facile de représenter des poissons et des oiseaux morts que vivants, en raison de la nécessité de rendre naturels les mouvements de ces derniers».
La nature morte, considérée comme un genre secondaire, permettait l'absence de modèles et ne nécessitait pas de contacts inappropriés . Peeters a réussi le concours et a créé un atelier florissant. Ses œuvres sont acquises par l'un des plus grands collectionneurs de Flandre, le marquis de Leganés, et entrent dans la collection royale espagnole.
Dans la perspective d'aujourd'hui, il est difficile d'évaluer l'innovation que le réalisme a représenté dans la représentation des objets. A la Renaissance, l'idée était au centre de la création. Le naturalisme est né au XVIIe siècle comme un moyen de rapprocher l'observateur de la vie quotidienne , même du vulgaire.
Cette façon de voir acquit un nouveau sens dans les natures mortes. Dans certains cas, l'intention de montrer l'expiration de l'éphémère est évidente : les fleurs se flétrissent, la viande pourrit . Tout est vanité. Cependant, tant dans le cas de Clara Peters comme chez nombre de ses contemporains, la réalité s'impose au-delà ou au plus près de son sens. Dans ses œuvres, la question est affirmée. Une question qui est souhaitable en soi.
Seules la noblesse et la haute bourgeoisie avaient accès aux pièces qui figurent à l'image du musée du Prado. Le vase en faïence de Siegburg, la coupe en vermeil, la fontaine Faenza, le pichet et l'assiette en étain (alliage étain-cuivre-plomb) et la coupe imitant les modèles vénitiens ont été produits de luxe. Le sucre n'était pas disponible pour la classe humble . Les raisins secs, les figues sèches et les amandes étaient importés d'Espagne. Le pouvoir dominant impose la mode tant dans l'habillement qu'à table.
La scène nous emmène au dessert qui clôt le déjeuner d'un prospère marchand anversois. La sobriété exalte l'éclat de l'argent doré et du verre. Un bretzel grignoté marque le moment.
Peeters insère son autoportrait en signe de sa virtuosité . Le peintre apparaît reflété dans les quatre pointes de la chope d'étain et dans les trois ovales de la coupe d'or. Elle est habillée à la manière urbaine : avec un col en dentelle et une coiffe. Dans sa main, une palette, peut-être un pinceau.
Possible autoportrait de Clara Peeters