Fino al 22 maggio è possibile assistere a una mostra a Madrid che non richiede solo di attraversare le stanze, contemplare brevemente ogni opera e leggere brani di etichette e pannelli esplicativi. Iperreale. L'arte del trompe l'oeil, nel Museo Thyssen, pone un gioco che confonde lo sguardo e che nasconde una trappola: la trappola che inganna l'occhio.
Questo gioco fa parte della pittura poiché cerca di imitare la realtà. Nell'antica Grecia, Zeusi e Parrasio si sfidarono per mostrare quale di loro fosse il miglior pittore del suo tempo. Zeusi rappresentava dell'uva che gli uccelli prendevano per davvero e che venivano a beccare. Quando Parrasio ha invitato il suo concorrente a vedere il suo lavoro, ha indicato che era dietro una tenda. Cercando di aprirlo, scoprì che il sipario era dipinto. Zeusi aveva ingannato gli uccelli, ma Parrasio aveva ingannato il suo collega. È stato lui a vincere.
Il racconto della concorrenza dei maestri greci è stato recuperato nel Rinascimento. Leonardo sosteneva che il bello deve essere basato sulla natura. I progressi tecnici hanno reso possibile che il dipinto fosse credibile. Il confine tra riproduzione fedele e ingannare l'occhio a volte era sfocato. La prospettiva permetteva di aprire pareti e volte in un'estensione dell'architettura.
Il caso di Arcimboldo è tanto eccezionale quanto enigmatico. I loro volti sono costruiti con frutti, fiori o animali. Il risultato è inquietante. La trappola si trasforma quando si allontana.
Natura morta di frutta e verdura, Juan Sánchez Cotán, 1602.
NATURA MORTA
Ma fu nel barocco che la tecnica consentiva agli artisti di catturare lo sguardo dell'osservatore e di chiedersi se ciò che appariva sulla tela fosse un dipinto o un oggetto. La mostra del Museo Thyssen, che avanza per blocchi tematici, inizia con le nature morte. Il pittore chiamato El Labrador emulava Zeusi e trascorse gran parte della sua carriera dipingendo grappoli d'uva con una precisione sconcertante.
Allo stesso tempo, il certosino Sánchez Cotán incorporò nelle sue opere una mensola di pietra su cui poggiava un cardo o un'arancia. Sopra di loro, appese con uno spago: carote, limoni, una mela cotogna. Pertanto, ha incluso una cornice all'interno della cornice, portando ulteriormente la confusione.
Alla prospettiva e all'ottica, i pittori barocchi aggiunsero la loro maestria nei giochi di luci e ombre. Pertanto, gli oggetti sono sfumati e si allontanano come farebbero aprendo la porta della dispensa. Un insetto a volte si appollaia sul telaio o svolazza intorno al frutto, accentuando l'effetto della scena.
Natura morta con quattro grappoli d'uva, El Labrador, 1636.
Nel corso del XVII e XVIII secolo, molti artisti hanno pensato che, poiché la loro opera era destinata ad essere appesa al muro, perché non replicare il muro? Il Liotard francese ha, su uno sfondo che imita le venature del legno, due rilievi che sono sorretti da chiodi e frammenti di carta su cui ha disegnato quelli che potrebbero essere schizzi a matita. Non sono più oggetti di uso quotidiano, ma l'opera dell'autore che viene rappresentata.
In L'Olanda e le Fiandre avevano coltivato con fervore l'illusione ottica che, appunto, funge da specchio della natura. Gli artisti cominciarono ad inchiodare e appendere nelle loro opere oggetti che, in molti casi, avevano davanti agli occhi nei propri laboratori oa casa. Le annotazioni calligrafiche dettagliate sono comuni, carte architettoniche, disegni e planimetrie.
Documenti del tesoro della città di Amsterdam, Cornelis Brisé, 1656.
inganna l'occhio
Hoogstraten ha aggiunto una sfumatura a questi pezzi. L'accumulo di oggetti dovrebbe riflettere, nel contenuto e nella disposizione, il carattere dell'artista. Oggetti disparati sono disposti sulle trame di sfondo, come un geroglifico. Questo genere si chiama quodlibet: qualunque cosa tu voglia, qualunque cosa ti piaccia.
Il gioco è efficace nella misura in cui il pittore raggiunge la complicità dell'osservatore. L'inganno è seguito dalla soddisfazione che deriva dallo scoprire il trucco di un mago. Dopo la persuasione, o seduzione, dello sguardo, l'ingegno e il virtuosismo dell'artista sono nascosti.
Nel 19° secolo si levano voci critiche. Il trompe l'oeil non era altro che un gioco a vuoto e privo di ciò che distingue il vero arte. Di fronte alla pittura religiosa o alla pittura storica, il genere era visto come una riproduzione meccanica della realtà, estranei all'impulso creativo e all'intenzione morale, essenziali in qualsiasi oggetto artistico.
In Europa il trompe l'oeil è stato relegato al semplice decorativo. Sarà negli Stati Uniti, che cercava una propria espressione nella pittura, dove occupava un posto di rilievo. È stato utilizzato dagli artisti come un modo per riflettere la propria identità attraverso gli oggetti. Altre volte sta come memoria di usanze perdute o momenti storici.
Finestra nel pomeriggio, 1974-1982.
IPERREALISMO
Gli artisti hanno assunto il ruolo di primo piano del prodotti Nella società industriale americana, in una tradizione che continuerà nel 20° secolo nella pop art e nell'iperrealismo. Cosa sono se non trompe l'oeil? Le lattine di zuppa di Campbell e le scatole di Brillo di Andy Warhol?
Sarà l'iperrealismo che recupera alla vista il concetto di inganno, filtrato attraverso l'onestà e sincera rappresentazione dell'ambiente. In Spagna, Antonio López coltiva questa ricerca, che persegue il rappresentazione fedele di oggetti alla luce.
La mostra Iperreale. L'arte del trompe l'oeil Può essere visitato al Museo Nacional Thyssen-Bornemisza fino al 22 maggio 2022.