모스크바의 New Tretyakov 갤러리, 내년 3월 8일까지 개최 Mijaíl Vrúbel의 반세기 이상에서 가장 큰 회고전 (1956-1910), 러시아 미술의 전환점이 된 모더니스트 화가.
함께 만들어가는 기념비적인 프로젝트입니다. 9개의 박물관과 8개의 개인 소장품에서 300점 이상의 작품, 그의 가장 상징적 인 작품이나 덜 알려진 희귀품을 포함합니다.
다니엘 리베스킨트가 러시아와 독일 낭만주의 전시를 위해 같은 방에 설치한 구조물을 연상시키는 건축물을 강조한 이번 전시는 Vrúbel의 무정부적(또한 낭만적인) 정신: 부서진 벽은 전시된 회화의 분할된 선 사이에 우리를 배치하지만 동시에 예술가의 단절된 삶이었던 소용돌이.
Mijaíl Vrúbel의 '라일락'(1901).
시간 순서가 없고, 이 균열은 또한 미로가 가로지르는 방을 연결하는 창 역할을 합니다. Vrúbel 경력의 다양한 단계로 안내합니다. 소용돌이처럼 거대한 조각품에 잠겨 인물과 그림이 산재되어 주인공의 삶에 의미를 부여하는 방향으로 나아갑니다. 그의 주제의 정신을 묘사하십시오.
3개 층 전체에서 우리는 이 조사 과정을 면밀히 따릅니다. 작가가 다양한 예술 분야에 자신의 흔적을 남겼을 때 또한 그의 시대와 그의 나라에서 가장 중요한 예술가들과도 관련이 있습니다.
Mijaíl Vrúbel의 'Demon 패배'(1902).
모든 에너지는 입구에 집중되어 있습니다. 세 악마, 처음으로 재회 . 12년의 기간 동안 창조된 앉아 있고 날고 엎드려 있는 악마는 완벽한 외모 세트를 찾기 위한 노력을 반영합니다. 러시아 문학의 가장 서사시 중 하나: 악마(1829-1839), Mikhail Lermontov.
세 인물 항구의 표정 우리가 낙담하는 향수에 완전히 굴복하기에 충분한 낙관주의: "거기서 날 기다릴래?" 데몬은 타마라가 지옥의 고통에 가느냐고 묻자 대답한다.
악마의 외모와 스타일과 마찬가지로 이 연은 전조가 아닌 경우 동반할 수 있습니다. 우리가 목격하게 될 비극적인 운명에. 그것은 우리가 완전히 들어간 후원자 Mamontov와 Artsybashev의 초상화에서 선물입니다. Vrúbel의 또 다른 위대한 열정: 오페라.
Mikhail Vrubel의 아내 Nadezhda Zabela의 초상화(1904).
문학과 병행 Nikolai Rimsky-Korsakov와 Anton Rubinstein의 점수는 예술가의 가장 다면적인 정맥을 전달합니다. 그는 포장 마차에서 그의 아내와 뮤즈를 만나게 될 것입니다. 나데즈다 자벨라-브루벨.
초상화 형태의 결혼 제안서, 그것은 또한 명성에 대한 궁극적인 약속이기도 합니다. 전시 중반부터 Zabela의 얼굴은 환상적인 드레스와 신화적인 배경을 가진 그녀의 초상화에서 우리 모두에게 나타납니다. 그의 후기 등장인물의 나머지 얼굴 특징에서처럼.
이것이 Nadezhda Zabela가 Vrúbel에 미치는 영향입니다. 설정을 할 때까지 아내의 기능(특히 Kórsakov의 Snow Maiden과 Sadkó의 경우)을 위한 장식 요소 디자인에 전념할 것입니다. 병렬 판타지: 여기에서 아이코닉한 백조 공주 (1900) 뿐만 아니라 조각, 우리를 잠에서 깨어나기보다는 잠에서 더 많이 볼 수 있는 그림자, 모자이크, 변형 및 밝기의 세계로 몰아넣는 드레스와 풍경.
순수한 모더니즘 그러나 우리가 이 컬렉션을 목욕시키는 숙명을 잊게 하지 않는 어두운 색조로.
Mijaíl Vrúbel(1899)의 'Pan'.
지금까지 우리는 러시아 신비주의와 Vrúbel의 연결 중 일부만 보았습니다. 그러나 더 나아갑니다. 투어는 또한 그가 도시에서 그린 종교적 아이콘에 더 가까이 다가가게 합니다. 키이우 (정치적인 이유로 이 전시회로 옮겨지지 않은 유일한 주요 작품) 또는 서사적이고 지역적인 상징을 가진 그의 게임, 캔버스에 빵 (1899) 또는 보가티르 (1898) 및 그 변형.
처음부터 보았듯이 내레이션(또는 탐색)의 힘은 문학에서 다시 보는 작가의 궤적을 움직인다. 파우스트, 마가렛, 메피스토펠레스의 패널과 함께 건축에 대한 그의 공헌에 대한 영감의 원천 수집가 Aleksei Morózov의 고딕 캐비닛을 위해 제작되었습니다.
이 삼부작은 장식 요소 중 가장 인상적인 것입니다. 기발한 모더니스트 벽난로(전시 중인)부터 르네상스 양식의 그림까지 그것은 모스크바 궁전을 장식했고 여전히 Metropol 호텔과 같은 건물의 정면에서 빛나고 있습니다.
Mijaíl Vrúbel의 '백조의 공주'(1900).
어쨌든 테마 선택은 항상 같은 방향을 가리킵니다. 자연과 꿈의 인물, 그리고 현실을 숨기고 있는 영혼을 찾기 위한 시도. 전시의 후반부는 우리를 이 고통스러운 계시 속으로 몰아넣고 헛되이 우리에게 그리스어 "영"에서 유래한 "악마"라는 단어의 어원을 상기시켜줍니다. 의미론의 치명적인 표시인 Vrúbel은 악마를 더 가까이에서 볼 때만 그의 정신에 접근합니다.
부터 정신적 질병과 실명을 처음 겪은 아들의 죽음, 의사들은 화가에게 색채 사용을 박탈하고 압도적인 스케치와 그림 모음집에 집중합니다. 그의 자화상과 그의 아내의 초상화는 더욱 두드러집니다.
그가 이 얼굴들을 지나갈 때, 감상자는 측량할 수 없는 감수성의 천재를 흔드는 고통으로 고통받고, 그러나 그는 또한 예술적 카타르시스와 사랑만이 제공하는 치유 과정을 경험합니다.
Mijaíl Vrúbel(1904)의 '진주'.
그림과 영혼의 이러한 교감으로, Vrúbel은 1910년 러시아 아방가르드와 같은 주요 회화 운동의 문에서 사망했습니다. 그 목적은 사물의 본질을 포착할 때까지 형태를 합성하는 것 이상일 것입니다. 가능성? Mijaíl Vrúbel은 그때부터 예술이 스스로에게 던지게 될 질문에 대한 전환점을 표시했을 뿐만 아니라 그 방식에 대해서도 언급했습니다. 그의 획과 "그의 작품에서 색 얼룩의 조합에서 당신은 이미 볼 수 있습니다. 칸딘스키", 전시회의 큐레이터인 Arkadi Ippolitov가 설명합니다.
악마의 잃어버린 시선이나 이 그림들의 사치스러운 성질을 걸러내는 무형의 진실에 대한 불안 그것들은 또한 다가올 혁명에 대한 필수적인 반응이기도 합니다. New Tretyakov Gallery에서 우리는 죽음과 탄생의 두 가지 과정에 모두 참여합니다. 독특한 예술가의 힘으로 움직이는 것.