En reise gjennom musikkens store navn
Det var en gang, tilbake i XIX århundre, der Europa var vitne til hvordan nye stater ble skapt, hvordan Italia og Tyskland ble gjenforent under et enkelt flagg og hvordan gamle og nye identiteter dukket opp igjen som hevdet sin plass i verden.
De musikere fra tiden, grenseoverskridende romantikk og nasjonalisme, utforsket mer beskrivende og poetiske uttrykksformer, som for eksempel suiten eller det symfoniske diktet, mens du blir frisk populære melodier og tradisjoner å fortelle historier om landet deres.
Men ikke bare fra hans land. Noen komponister fikk også anledning til å reise og bli kjent med andre land, som de senere hyllet gjennom musikken sin.
Mikhail Glinka regnes som faren til russisk musikalsk nasjonalisme. takket være verk som hans patriotiske opera et liv for tsaren men få vet det reiste gjennom Spania og ble fascinert av våre lyder og tradisjoner. Den spanske ouverture nr. 1 Strålende innfall på den aragoniske knekt og den spanske ouverture nr. 2 Sommernatt i Madrid er et godt bevis på det.
Glinka fungerte som inspirasjon for den berømte gruppen av De fem, som var sammensatt av fem unge nasjonalistiske komponister: Mili Balakirev, Cesar Cui, Modest Mussorgsky, Nikolai Rimsky-Korsakov og Aleksandr Borodin.
Alle var selvlærte, de møttes i St. Petersburg og delte målet om komponere en type musikk som oppsto fra folkelige røtter og beveget seg bort fra akademisk trening av europeiske vinterhager. Noen av hans mest kjente verk er den symfoniske suiten Scheherazade av Rimsky-Korsakov eller En natt på bart fjell av Mussorgsky, som ble satt bilder i Disney-filmen Fancy (1941).
Selv om til Tsjaikovskij han regnes som mer romantisk enn nasjonalist, det er unektelig at han er en av tidenes mest kjente komponister med balletter som f.eks. Svanesjøen, Nøtteknekkeren eller Tornerose, også illustrert av Disney i 1959.
Imidlertid ville det arbeidet vi kunne betrakte som det mest nasjonalistiske av alle være 1812 ouverture, hadde premiere i 1882 for minnes årsdagen for den russiske seieren over Napoleon-hæren. Verket er komponert for et orkester med mer eller mindre tradisjonelle instrumenter og en kanon. Ja herrer. En canyon. Eller flere. Dessverre, av praktiske årsaker, mange ganger den spektakulære lyden er erstattet med skuddlyder. Men her legger vi igjen et opptak med kanoner der du kan nyte et klimaks med den autentiske lukten av krutt.
Og apropos apoteose. Den store finalen i filmen v for Vendetta har denne ouverturen som lydspor. Et symbol på frihet fra undertrykkelse.
skotsk etterkommer, Edvard Grieg bidro med komposisjonene hans til skape en norsk nasjonal identitet ved å tilpasse i verkene hans mange populære danser og sanger fra folkloren i hans land.
Et av hans mest kjente verk, Peer Gynt, består av to suiter med fire satser hver, som han komponerte på bestilling til illustrere arbeidet til forfatteren Henrik Ibsen. Dette fantastiske dramaet forteller historien om Peer, en eventyrer som forfører og deretter forlater den vakre Solveig, for så å flykte til Afrika for å søke lykken.
Hans eventyr er svært varierte og har gitt opphav til kjente melodier, som f.eks I hulen til fjellkongen , når Peer rømmer fra troll som vokter en hule. Først er musikken snikende fordi den prøver å stikke av stille, men så ting blir komplisert og melodiens crescendos og accelerandos indikerer at Peer må dra på flukt med troll varme i hælene.
Så mye spenning genererer denne poengsummen at Fritz Lang brukte den til å illustrere filmen lydmessig M, vampyren fra Düsseldorf , finsk metalband apokalyptisk han dekket det i hardrock-modus og til og med The Who gjorde sin egen tilpasning.
En annen av de mest kjente bevegelsene er Morgenen , som blander fløyten og oboen som hovedpersoner å beskrive hvordan lyset oversvømmer landskapet og gradvis blir til dag.
Men i motsetning til hva mange kanskje tror, skjer ikke Morgenstemningen i en fjord, men snarere forteller om en soloppgang i Sahara i et annet av Peers eventyr, før du kommer hjem igjen. Når han endelig kommer tilbake, tilgir gode gamle Solveig ham og synger ham en sang der hun forteller ham at hele denne tiden har han ventet på ham. Og så har historien en lykkelig slutt.
Jean Sibelius har vært den mest kjente komponisten som Finland har gitt til dags dato og en av de viktigste pådriverne for nasjonalisme i sitt land, siden med hans symfonier, suiter og symfoniske dikt bidra til styrke nasjonal identitet mot styret av det russiske imperiet. Hans to mest kjente og mest patriotiske verk er det symfoniske diktet Finland og Karelsk Suite.
I Finland er turbulente, røffe og tunge lyder som symboliserer undertrykkelsen som det finske folket ble utsatt for og som utvikler seg til et klimaks av frigjøring og håp i de siste minuttene. Det har blitt foreslått ved flere anledninger å være nasjonalsangen og dermed erstatte Maamme, som betyr Vårt Land og den er komponert av en tysker med tekster på svensk.
Karelia-suiten refererer til regionen mellom Finland og Russland der de bodde karelerne, en baltisk etnisk gruppe som bodde fra Hvitehavet til Finskebukta og som for tiden er en del av den russiske føderasjonen. Bruken av mange messinginstrumenter Det gir en episk, fartsfylt og festlig karakter, spesielt i begynnelsen, som mykner etter hvert som det utvikler seg til å bli mer beskrivende.
Selv om Tsjekkia ennå ikke eksisterte på den tiden, ikke engang det nå nedlagte Tsjekkoslovakia, kunne man snakke om musikalsk nasjonalisme i 1800-tallets Böhmen, som da tilhørte Det østerriksk-ungarske riket.
Bedrich Smetana var en av fedrene til tsjekkisk musikk og er kjent for sin opera den solgte bruden , men fremfor alt for syklusen av symfoniske dikt mer vlast (Mitt hjemland) som beskriver landskap og legender fra den bohemske tradisjonen.
Hver av dem forteller en annen historie. A) Ja, Vyšehrad (Det høye slottet) beskriver residensen der de tidligere tsjekkiske kongene bodde; Vltava (Moldava) forteller om elvens løp fra kilden til munningen i Elben, som passerer gjennom skoger, beitemarker, slott og til og med et bondebryllup. Det tredje diktet tar navnet på amazonkrigeren Šárka , heltinne fra The War of the Maidens som tok til våpen etter døden til prinsesse Libuse, en av grunnleggerne av Praha på 800-tallet. Rommet har tittelen Z českých luhů a hájů , som betyr Fra skoger og enger i Böhmen; og den femte Tabor , med henvisning til den sørlige bøhmiske byen grunnlagt av tilhengerne av den protestantiske reformatoren Jan Hus. Det siste diktet er Blanik, et fjell hvor, ifølge legenden, sover en hær av riddere med Saint Wenceslas i spissen, som vil redde landet når det vanskeligste øyeblikket kommer.
Antonín Dvorak er en annen av fedrene til tsjekkisk musikk, med verk av så nasjonalistisk inderlighet som den patriotiske hymnen Arvingene til det hvite fjellet eller samlingen din slaviske danser , som inkluderer populære former som furianter, dumkaer, polkaer, mazurkaer eller poloneser.
Imidlertid kom internasjonal anerkjennelse til Dvořák etter oppholdet som direktør ved New York Conservatory, da han komponerte hans symfoni nr. 9, bedre kjent som New World Symphony , som ble påvirket av afroamerikanske åndelige sanger og rytmene til de innfødte nordamerikanske indianerne. En sløsing med flerkulturell energi som ble godt mottatt av publikum og endte opp med å bli en av Dvořáks største triumfer som komponist.
Frédéric Chopin var en selvlært pianist og tidenes mest kjente polske komponist. Musikken hans, for det meste komponert for piano, er preget av en utsøkt følsomhet, intimt og subtilt, og en estetisk rekreasjon, like presis som lidenskapelig, som flykter fra alt stygt, vulgært, frekt og pedantisk som kan finnes i verden.
Chopin kjente førstehånds m polsk tradisjonell musikk, siden jeg var tenåring danset, transkribert og spilte til og med folkeinstrumenter på bondefester. A) Ja, deres poloneser de samlet den episke ånden og de levende rytmene i landet deres i eksempler så mytiske som Polonaisen i As (Op. 53) det heroiske , i fis-moll (Op. 44) og den Flott briljant polones for piano og orkester op. 22, innledet av en Andante spianato.
Det samme skjedde med hans 58 mazurkaer, basert på polsk folkedans, og resten av hans arbeid der de er tydelig verdsatt rytmene, formene, harmoniene og melodiene som er typiske for polsk folklore.
"Når jeg hører på Wagner over lengre tid, får jeg lyst til å invadere Polen." Med denne ironien beskrev Woody Allen i filmen Murder Mystery in Manhattan den tyske patriotiske gløden som ble reist av komponisten Richard Wagner.
Og kanskje er det sant. Få komposisjoner (hvis noen) er mer oppfordrende til å sette seg på en hest og delta i en stor episk kamp enn turen til valkyriene , som tilhører den andre operaen i hans tetralogi The Ring of the Nibelung.
Wagner ble inspirert av mytene og legendene fra tysk, nordisk og skandinavisk mytologi for å komponere den og fortelle i den. kampene mellom guder, helter og andre skapninger for å få en magisk ring som kan dominere hele verden med.
I filmen apokalypse nå av Francis Fors Coppola angriper amerikanske helikoptre en landsby under Vietnamkrigen til Valkyrienes rytme.
Det er morsomt det noen av de største eksponentene for ungarsk musikk var av andre nasjonaliteter, men det er noe i den opprevne melankolien til sigøynerfiolinene og glissandoene deres som fanger deg uten å kunne unngå det.
Johannes Brahms var tysk, men deres ungarske danser de har blitt en av lydene som best har beskrevet det magyariske landskapet og fanget den øde og ugjestmilde ånden til Puszta. Hans 21 danser var opprinnelig komponert for piano fire hender, men noen av dem ble tilpasset for orkester med resultater like spennende som ungarsk dans nr. 5
Zardas eller czardas er en typisk dans av romanimusikk som ble populær i Ungarn, men også i andre naboland som Slovakia, Slovenia, Kroatia eller Ukraina. Italienske Vittorio Monti han komponerte noen zardaer for fiolin og piano som senere ble orkestrert og som har blitt alt en utfordring av virtuositet for modige fiolinister.
Når det gjelder lokale komponister, fedrene til den ungarske nasjonalismen var utvilsomt Franz Liszt, Béla Bartók og Zoltán Kodály. Liszt komponerte underverker som Ungarsk rapsodi nr. 2 å vise frem dyktige pianister på grunn av dens betydelige tekniske vanskelighet, men han skrev også 18 flere rapsodier (Magyar rapszódiák), alle inspirert av verbunkos, en populær dans som tilskrives sigøynerne.
Bartók og Kodály var store folkemusikkforskere og på begynnelsen av 1900-tallet turnerte de landlige områder i Ungarn og Romania å samle tradisjonelle melodier. Noen av hans mest fremragende patriotiske verk var den ungarske folkeoperaen Háry János de Kodály, som forteller om eventyrene til en veteran fra en østerriksk hærhusar, og Rumenske folkedanser av Bartók.
I mange hus er det allerede tradisjon å starte året med nyttårskonserten som feires i den gylne sal i Wien Musikverein.
Selv om de ikke anser seg selv som nasjonalister, fordi identiteten til det østerrikske riket på den tiden ble mer enn anerkjent, kunne ikke sjelen til dette landet forstås uten valsene komponert av Strauss-familien. Spesielt den fra Blå Donau , som forteller strømmen av elven gjennom dens landområder og som har blitt den andre østerrikske nasjonalsangen.
De første operaene Giuseppe Verdi fungerte som inspirasjon for den italienske Risorgimento, som hadde som mål å forene landet og få uavhengighet fra det østerrikske riket. Refrenget ok tror jeg av Nabucco anses som komponistens mesterverk og forteller om det jødiske folks eksil i Babylon i klar referanse til situasjonen i Italia på den tiden.
Folket forsto metaforen perfekt "Å, mitt hjemland, så vakkert og fortapt!" og forvandlet det umiddelbart til en hymne for italienske patrioter. Faktisk premieredagen i Scala i Milano, publikum, som reagerte på den nasjonalistiske gløden, krevde umiddelbart et ekstranummer.
Verdis senere operaer hadde også en markant hevngjerrig og patriotisk karakter, selv om noen historikere tviler på om det virkelig var på grunn av komponistens egen politiske tilbøyelighet eller fordi det italienske folket trengte en helt som de kunne identifisere seg med.
I Spania kunne vi ikke vært mindre, og våre maksimale representanter for musikalsk nasjonalisme var det katalanerne Isaac Albéniz og Enrique Granados, andaluserne Joaquín Turina og Manuel de Falla og Madrid Joaquín Rodrigo.
Albénizs mest kjente verk er utvilsomt Iberia-suiten, et av tidenes beste stykker innen pianokomposisjon som er bygget opp i fire notatbøker, med tre stykker hver, som hyller ulike steder i den spanske geografien. Havnen (i Santa María), Corpus Christi i Sevilla, Almería, Triana eller Lavapiés er noen av titlene.
Den spanske suite nr. 47 den reiser også gjennom Spania gjennom Granada, Catalonia, Asturias, Aragon eller Castilla.
Granatepler Han var en stor beundrer av den aragonske maleren Francisco de Goya og ble inspirert av arbeidet hans til å komponere Goyescas. de vakre elskerne , som regnes som hans viktigste verk. Den første notatboken i denne pianosuiten hadde premiere på Palau de la Música i Barcelona og den andre i Pleyel Hall i Paris. Titlene på verkene kunne ikke vært mer tradisjonelle: Komplimentene , Kollokvium ved porten enten Lampens fandango.
Av Turin fremheve deres fantastiske danser , formert av Opphøyelse (Aragonesisk knekt), Drøm (baskisk zortziko) og Orgie (Andalusisk Farruca), samt det symfoniske diktet Prosesjonen til Rocío.
Av Manuel de Falla vi må huske ballettene til Kjærlighetstrollmannen Y Den trehjørnede hatten , den Syv spanske folkesanger og Betic Fantasy.
Til slutt kunne vi ikke fullføre denne anmeldelsen av nasjonale komposisjoner uten det mytiske Aranjuez-konsert av Maestro Rodrigo, skrevet i Paris i 1939 for å gjenspeile skjønnheten i hagen til det kongelige palasset i Aranjuez.